Dmitri Bashkirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitri Bashkirov

Molts dels joves músics que es van conèixer a principis dels anys cinquanta al Conservatori de Moscou probablement recorden la primera aparició als passadissos de l'aula d'un jove fosc i prim, amb moviments impetuosos i expressions facials vivaces en un rostre mòbil i expressiu. El seu nom era Dmitry Bashkirov, els seus companys aviat van començar a anomenar-lo simplement Delik. Poc se sabia d'ell. Es va dir que es va graduar a l'escola de música de deu anys de Tbilisi amb Anastasia Davidovna Virsaladze. Una vegada, en un dels exàmens, Alexander Borisovich Goldenweiser el va escoltar, va sentir, va estar encantat i li va aconsellar que completés la seva formació a la capital.

El nou alumne de Goldenweiser era molt talentós; Mirant-lo, una persona emocional directa i rara, no era difícil notar-ho: tan apassionadament i desinteressadament, amb una entrega tan generosa, només les natures realment dotades poden reaccionar a l'entorn com ell...

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov es va fer àmpliament conegut com a concertista al llarg dels anys. L'any 1955 va rebre el Gran Premi al concurs M. Long – J. Thibault de París; això va posar en marxa la seva carrera escènica. Ara té centenars d'actuacions al darrere, va ser aplaudit a Novosibirsk i Las Palmas, Chisinau i Filadèlfia, a petites ciutats del Volga i grans sales de concerts mundialment famoses. El temps ha canviat molt a la seva vida. Molt menys en el seu caràcter. Ell, com abans, és impulsiu, com si el mercurio fos canviant i ràpid, cada minut està disposat a deixar-se portar per alguna cosa, a prendre foc...

Les propietats de la naturalesa Bashkir, que es van esmentar, són clarament visibles en el seu art. Els colors d'aquest art no s'han esvaït ni esvaït amb els anys, no han perdut la seva riquesa, intensitat, iridescència. El pianista toca, com abans, excitat; en cas contrari, com es podria preocupar? Potser no hi havia cap cas perquè ningú retregués a l'artista Bashkirov la indiferència, l'apatia espiritual, la sacietat amb la recerca creativa. Per això, és massa inquiet com a persona i com a artista, ardent constantment amb una mena de foc interior inextinguible. Aquest pot ser el motiu d'alguns dels seus fracassos escènics. Sens dubte, en canvi, és precisament d'aquí, de la inquietud creativa i la majoria dels seus èxits.

A les pàgines de la premsa crítica musical, Bashkirov sovint es diu un pianista romàntic. De fet, representa clarament modern romanticisme. (VV Sofronitsky, parlant amb V. Yu. Delson, va deixar caure: "Després de tot, també hi ha romanticisme modern, i no només romanticisme del segle XIX, estàs d'acord?" (Memòries de Sofronitsky. S. 199.)). Qualsevol que interpreti el compositor Bashkirov –Bach o Schumann, Haydn o Brahms–, sent la música com si fos creada avui. Per als espectadors d'aquest tipus, l'autor és sempre un contemporani: els seus sentiments es viuen com a propis, els seus pensaments es fan seus. No hi ha res més ali a aquests concertistes que l'estilització, la “representació”, una falsificació per arcaica, una demostració d'una relíquia de museu. Això és una cosa: la sensació musical de l'artista nostre ho era dels nostres dies. Hi ha una altra cosa, que també ens permet parlar de Bashkirov com un típic representant de les arts escèniques contemporànies.

Té un pianisme precís i magistralment elaborat. Abans es creia que fer música romàntica és impulsos desenfrenats, esclats espontanis de sentiments, una extravagància de punts sonors brillants, encara que una mica informes. Els coneixedors van escriure que els artistes romàntics graviten cap a "vagues, iridescents, il·legibles i boiroses", que estan "lluny de dibuixar joies de petiteses". (Martins KA Tècnica de piano individual. – M., 1966. S. 105, 108.). Ara els temps han canviat. S'han modificat criteris, judicis, gustos. En l'era de l'enregistrament de gramòfons inexorablement estrictes, les emissions de ràdio i televisió, les "nebuloses" sonores i la "vaguetat" no són perdonades per ningú, a ningú i sota cap circumstància. Bashkirov, un romàntic dels nostres dies, és modern, entre altres coses, per l'acurat "fet" del seu aparell escènic, la depuració hàbil de tots els seus detalls i enllaços.

És per això que la seva música és bona, requerint una completesa incondicional de la decoració exterior, "dibuix de joies de bagatelas". La llista dels seus èxits interpretatius l'obren els preludis de Debussy, les masurques de Chopin, la quarta sonata de Prokófiev i la quarta sonata, les fulles de colors de Schumann, la fantasia i la novel·la en fa sostingut menor, molt de Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel. . Hi ha moltes coses interessants que atrauen els oients en el seu repertori clàssic: Bach (concert en fa menor), Haydn (sonata en mi bemoll major), Mozart (concerts: novena, catorze, dissetena, vint-i-quatre), Beethoven (sonates: " Lunar” , “Pastoral”, Divuitena, concerts: Primer, Tercer, Cinquè). En una paraula, tot el que guanya en la transmissió escènica de Bashkirov és on en primer pla hi ha un patró sonor elegant i clar, una persecució elegant de textura instrumental.

(Anteriorment es deia que els que toquen el piano, com els pintors, utilitzen diferents tècniques d'"escriptura": algunes com un llapis de so esmolat, altres com el gouache o l'aquarel·la, i d'altres com les pintures a l'oli de pedals pesats. Sovint s'associa Bashkirov amb un pianista-gravador: un patró sonor prim sobre un fons emocional brillant...)

Com moltes persones veritablement dotades, Bashkirov es veu canviat per la felicitat creativa. Sap fer autocrítica: “Crec que he encertat en aquesta obra”, es pot sentir després del concert, “però aquesta no ho és. L'emoció es va posar en el camí... Alguna cosa "va canviar", va resultar "desenfocada", no com estava previst. Se sap que l'emoció interfereix amb tothom: debutants i mestres, músics, actors i fins i tot escriptors. "El moment en què jo mateix estic més emocionat no és el moment en què puc escriure coses que toquin l'espectador", va admetre Stendhal; en això se'n fa ressò moltes veus. I tanmateix, per a alguns, l'emoció està plena de grans entrebancs i problemes, per a altres, menys. Les natures fàcilment excitables, nervioses i expansives ho tenen més difícil.

En els moments de gran emoció a l'escenari, Bashkirov, malgrat la seva voluntat, accelera l'actuació, cau en certa emoció. Això sol passar al començament de les seves actuacions. A poc a poc, però, el seu joc es torna normal, les formes sonores guanyen claredat, línies: confiança i precisió; amb una oïda experimentada, sempre es pot entendre quan un pianista aconsegueix fer caure una onada d'ansietat escènica excessiva. Un experiment interessant va ser creat per casualitat en una de les nits de Bashkirov. Va tocar la mateixa música dues vegades seguides: el final del catorze concert per a piano de Mozart. La primera vegada, amb una mica de pressa i il·lusió, la segona (per a un bis), amb més calma, amb més calma i autocontrol. Va ser interessant observar com la situaciómenys emoció“va transformar el joc, va donar un resultat artístic diferent i superior.

Les interpretacions de Bashkirov tenen poc en comú amb les plantilles habituals, mostres d'actuació familiars; aquest és el seu avantatge evident. Poden ser (i són) controvertits, però no incolors, massa subjectius, però no insípids. Als concerts de l'artista és gairebé impossible trobar-se amb persones indiferents, no se'l dirigeix ​​amb aquells elogis educats i insignificants que se solen atorgar a la mediocritat. L'art de Bashkirov és acceptat amb calor i entusiasme o, amb no menys fervor i interès, discuteixen amb el pianista, en desacord amb ell d'alguna manera i en desacord amb ell. Com a artista, està familiaritzat amb l'"oposició" creativa; en principi, això es pot i s'ha d'acreditar.

Alguns diuen: en el joc de Bashkirov, diuen, hi ha molt d'exterior; de vegades és teatral, pretensiós... Probablement, en aquestes declaracions, a part de diferències de gustos força naturals, hi ha un malentès de la naturalesa mateixa de la seva interpretació. És possible no tenir en compte els trets tipològics individuals d'aquest o aquell artístic | personalitat? Bashkirov el concertant –aquesta és la seva naturalesa– sempre “mirava” amb eficàcia des de fora; brillant i brillantment es va revelar a l'exterior; el que seria una exhibició escènica o un rasgueig per a un altre, només té una expressió orgànica i natural del seu “jo” creatiu. (El teatre mundial recorda a Sarah Bernhardt amb els seus costums escènics gairebé excèntrics, recorda la modesta, de vegades discreta Olga Osipovna Sadovskaya, en ambdós casos, era un art real, gran.) condueix a un subtext llunyà, gairebé indistingible. Si hem d'assumir la posició d'un crític, més aviat en una altra ocasió.

Sí, l'art del pianista dóna al públic emocions obertes i fortes. Gran qualitat! A l'escenari del concert, sovint et trobes amb una escassetat, en lloc d'un excés. (En general, "es queden curts" en la manifestació dels sentiments, i no a l'inrevés.) No obstant això, en els seus estats psicològics (excitació extàtica, impulsivitat, etc.), Bashkirov era de vegades, almenys abans, una mica uniforme. Es pot citar com a il·lustració la seva interpretació de la sonata en si bemoll menor de Glazunov: li va faltar èpica, amplitud. O el Segon Concert de Brahms: darrere dels focs artificials brillants de les passions, en els últims anys, no sempre s'hi va sentir la reflexió introspectiva de l'artista. De les interpretacions de Bashkirov hi havia una expressió roent, un corrent d'alta tensió nerviosa. I de vegades l'oient començava a sentir un desig de modulacions en altres tonalitats emocionals més llunyanes, en altres esferes de sentiments més contrastades.

Ara bé, parlant d'abans el primer. Les persones que coneixen bé les arts escèniques de Bashkirov troben constantment canvis, canvis i transformacions artístiques interessants en ell. O es pot veure més acurada la selecció del repertori de l'artista, o es revelen mètodes d'expressivitat fins ara desconeguts (en els darrers anys, per exemple, les parts lentes dels cicles de sonates clàssiques han sonat d'alguna manera especialment netes i ànimes). Sens dubte, el seu art s'enriqueix amb nous descobriments, matisos emocionals més complexos i variats. Això es pot veure, en particular, en la interpretació de Bashkirov dels concerts de KFE, Fantasia i Sonata en do menor de Mozart, versió per a piano del Concert per a violí, op. 1987 de Beethoven, etc.)

Bashkirov és un gran conversador. És naturalment curiós i curiós; li interessen moltes coses; avui, com en la seva joventut, mira de prop tot allò relacionat amb l'art, amb la vida. A més, Bashkirov sap formular clarament i clarament els seus pensaments; no és casualitat que hagi publicat diversos articles sobre els problemes de la interpretació musical.

"Sempre he dit", va comentar una vegada Dmitry Alexandrovich en una conversa, "que en la creativitat escènica el més important i principal està determinat pel mateix magatzem del talent de l'artista: el seu característiques i propietats personals individuals. És amb això que es connecta l'aproximació de l'intèrpret a determinats fenòmens artístics, la interpretació d'obres individuals. La crítica i part del públic, de vegades, no tenen en compte aquesta circumstància: jutjar el joc de l'artista de manera abstracta, basant-se en com pel M'encantaria escoltar la música que sona. Això és completament fals.

Amb els anys, en general crec cada cop menys en l'existència d'algunes fórmules congelades i sense ambigüitats. Per exemple: com cal (o, per contra, no cal) interpretar tal o tal autor, tal o tal assaig. La pràctica demostra que les decisions de rendiment poden ser molt diferents i igualment convincents. Encara que això no vol dir, és clar, que l'artista tingui dret a la voluntat pròpia o a l'arbitrarietat estilística.

Una altra pregunta. És necessari en el moment de la maduresa, amb 20-30 anys d'experiència professional al darrere, tocar el piano? mésque en la joventut? O viceversa: és més raonable reduir la intensitat de les càrregues de treball amb l'edat? Hi ha diferents punts de vista i punts de vista sobre això. "Em sembla que la resposta aquí només pot ser purament individual", creu Bashkirov. “Hi ha intèrprets als quals anomenem virtuosos nats; sens dubte necessiten menys esforç per mantenir-se en bona forma. I n'hi ha d'altres. Aquells a qui mai no se'ls ha donat res semblant, és clar, sense esforç. Naturalment, han de treballar incansablement tota la vida. I els anys posteriors encara més que en la joventut.

De fet, he de dir que entre els grans músics gairebé mai no vaig conèixer aquells que, amb els anys, amb l'edat, debilitarien les seves exigències a si mateixos. Normalment passa el contrari".

Des de 1957, Bashkirov ensenya al Conservatori de Moscou. A més, amb el temps, el paper i la importància de la pedagogia per a ell és cada cop més gran. “En la meva joventut, sovint vaig fer gala de que, diuen, tenia temps per a tot, tant per ensenyar com per preparar-me per als concerts. I que un no només no és un obstacle per a l'altre, sinó potser fins i tot a l'inrevés: un recolza, reforça l'altre. Avui, no ho discutiria... El temps i l'edat encara fan els seus propis ajustaments: no es pot avaluar una cosa diferent. Avui en dia, acostumo a pensar que l'ensenyament crea certes dificultats per a l'actuació en concert, la limita. Aquí teniu un conflicte que intenteu resoldre constantment i, malauradament, no sempre amb èxit.

Per descomptat, el que s'ha dit anteriorment no vol dir que em qüestioni la necessitat o conveniència del treball pedagògic per a mi. De cap manera! S'ha convertit en una part tan important i integral de la meva existència que no hi ha dilemes al respecte. Només estic exposant els fets tal com són".

Actualment, Bashkirov ofereix uns 55 concerts per temporada. Aquesta xifra és bastant estable per a ell i pràcticament no ha canviat des de fa uns quants anys. “Sé que hi ha gent que actua molt més. No hi veig res d'estrany: cadascú té diferents reserves d'energia, resistència, força física i mental. El més important, crec, no és quant jugar, sinó com. És a dir, el valor artístic de les actuacions és important en primer lloc. Perquè el sentiment de responsabilitat pel que fas a l'escenari no para de créixer.

Avui, continua Dmitry Aleksandrovich, és molt difícil ocupar un lloc digne en l'escena musical i escènica internacional. Necessitat de jugar prou sovint; jugar a diferents ciutats i països; executar diversos programes. I, per descomptat, donar-ho tot. a un nivell professional força elevat. Només en aquestes condicions, l'artista, com diuen, estarà a la vista. Per descomptat, per a algú que es dedica a la pedagogia, això és més difícil que per a un no professor. Per tant, molts joves concertistes ignoren essencialment l'ensenyament. I en algun lloc es poden entendre, donada la competència cada cop més gran del món artístic... "

Tornant a la conversa sobre la seva pròpia tasca pedagògica, Bashkirov diu que, en general, se sent completament feliç. Feliç perquè té alumnes, una comunicació creativa amb la qual li va portar –i continua donant– una gran alegria. “Si mires el millor d'ells, has d'admetre que el camí cap a la fama no estava ple de roses per a ningú. Si han aconseguit alguna cosa, és sobretot gràcies als seus propis esforços. I la capacitat de autodesenvolupament creatiu (que considero el més important per a un músic). El meu viabilitat artística ho van demostrar no pel número de sèrie d'aquesta o aquella competició, sinó pel fet que avui juguen als escenaris de molts països del món.

M'agradaria dir una paraula especial sobre alguns dels meus alumnes. Bastant breument. Literalment en poques paraules.

Dmitri Alekseev. M'agrada en ella conflicte internque jo, com a professor seu, conec bé. Conflicte en el millor sentit de la paraula. Pot ser que no sigui molt visible a primera vista, més aviat amagat que no pas visible, però existeix, existeix, i això és molt important. Alekseev és clarament conscient dels seus punts forts i febles, entén que la lluita entre ells i significa avançar en la nostra professió. Aquest moviment pot fluir amb ell, com amb els altres, de manera suau i uniforme, o pot prendre la forma de crisis i avenços inesperats en noves esferes creatives. No importa com. És important que el músic vagi endavant. Sobre Dmitry Alekseev, em sembla, això es pot dir sense por de caure en l'exageració. El seu alt prestigi internacional no és casual.

Nikolai Demidenko. Hi va haver una actitud una mica condescendent cap a ell en un moment. Alguns no creien en el seu futur artístic. Què puc dir d'això? Se sap que alguns intèrprets maduren abans, més ràpid (de vegades, fins i tot, maduren massa ràpid, com alguns dels frikis que s'esgoten de moment, de moment), per a d'altres aquest procés transcorre més lentament, amb més calma. Es necessiten anys perquè es desenvolupin completament, madurin, es mantinguin pel seu compte, treguin el millor que tenen... Avui en dia, Nikolay Demidenko té una pràctica rica, toca molt a diverses ciutats del nostre país ia l'estranger. No l'escolto gaire sovint, però quan vaig a les seves actuacions veig que moltes coses que fa ara no són les mateixes que abans. De vegades gairebé no reconec en la seva interpretació d'aquelles obres que vam aprovar a classe. I per a mi, com a professor, aquesta és la recompensa més gran...

Serguei Erokhin. Al VIII Concurs Txaikovski va estar entre els premiats, però la situació en aquesta competició era molt difícil per a ell: s'acabava de desmobilitzar de les files de l'exèrcit soviètic i, naturalment, estava lluny de la seva millor forma creativa. En el temps que ha passat des de la competició, Sergei ha tingut, em sembla, un gran èxit. Permeteu-me que us recordi almenys el seu segon premi en un certamen a Santander (Espanya), sobre el qual un dels influents diaris madrilenys va escriure: "Les actuacions de Sergey Erokhin no només van valer el primer premi, sinó tot el concurs". En resum, no tinc cap dubte que Sergei té un futur artístic brillant. A més, va néixer, al meu entendre, no per a concursos, sinó per a l'escenari de concerts.

Alexander Bonduryansky. Es va dedicar totalment a la música de cambra. Des de fa uns quants anys, Alexander ha actuat com a part del Trio de Moscou, consolidant-lo amb la seva voluntat, entusiasme, devoció, dedicació i gran professionalitat. Segueixo les seves activitats amb interès, estic convençut una i altra vegada de l'important que és per a un músic trobar el seu propi camí. M'agradaria pensar que el punt de partida de l'interès de Bonduryansky per la creació de música de cambra va ser la seva observació del meu treball creatiu conjunt en un trio amb I. Bezrodny i M. Khomitser.

Eiro Heinonen. A casa seva, a Finlàndia, és un dels pianistes i professors més famosos (ara és professor a l'Acadèmia Sibelius d'Hèlsinki). Recordo amb plaer les meves trobades amb ell.

Dang Thai Sean. Vaig estudiar amb ell quan era estudiant de postgrau al Conservatori de Moscou; es va reunir amb ell més tard. Vaig tenir impressions molt agradables dels contactes amb Sean, una persona i un artista. És intel·ligent, intel·ligent, encantador i amb un talent increïble. Hi va haver un moment en què va viure una cosa així com una crisi: es va trobar en un espai tancat d'un sol estil, i fins i tot allà de vegades semblava poc divers i polièdric... Sean va superar en gran mesura aquest període de crisi; la profunditat del pensament interpretatiu, l'escala dels sentiments, el drama que apareix en la seva interpretació... Té un present pianístic magnífic i, sens dubte, un futur no menys envejable.

Avui hi ha altres músics joves interessants i prometedors a la meva classe. Però encara estan creixent. Per tant, m'abstindré de parlar-ne.

Com cada professor amb talent, Bashkirov té el seu propi estil de treballar amb els estudiants. No li agrada recórrer a categories i conceptes abstractes a l'aula, no li agrada allunyar-se del treball que s'estudia. Utilitza amb poca freqüència, segons les seves pròpies paraules, paral·lelismes amb altres arts, com ho fan alguns dels seus col·legues. Parteix del fet que la música, la més universal de totes les formes d'art, té les seves pròpies lleis, les seves pròpies “regles”, la seva pròpia especificitat artística; per tant, intenta conduir l'alumne a una solució purament musical a través de l'esfera no musicals són una mica artificials. Pel que fa a les analogies amb la literatura, la pintura, etc., només poden donar un impuls a la comprensió de la imatge musical, però no substituir-la per una altra cosa. Succeeix que aquestes analogies i paral·lelismes fins i tot causen algun dany a la música, la simplifiquen... “Crec que és millor explicar a l'alumne què vol amb l'ajuda d'expressions facials, el gest d'un director i, per descomptat, una exhibició en directe el teclat.

Tanmateix, podeu ensenyar d'aquesta manera i d'aquesta manera... De nou, no hi pot haver una fórmula única i universal en aquest cas".

Torna constantment i persistentment a aquest pensament: no hi ha res pitjor que la parcialitat, el dogmatisme, la unidimensionalitat en l'enfocament de l'art. “El món de la música, en particular la interpretació i la pedagogia, és infinitament divers. Aquí poden i han de conviure plenament les àrees de valor, les veritats artístiques i les solucions creatives específiques més diverses. Passa que hi ha gent que discuteix així: m'agrada, vol dir que és bo; Si no t'agrada, definitivament és dolent. Aquesta lògica, per dir-ho així, m'és profundament aliena. Intento fer-ho aliè als meus alumnes també".

... Més amunt, Bashkirov va parlar del conflicte intern del seu estudiant Dmitri Alekseev: conflicte "en el millor sentit de la paraula", que "significa avançar en la nostra professió". Els que coneixen de prop a Dmitry Alexandrovich estaran d'acord que, en primer lloc, aquest conflicte es nota en ell mateix. Va ser ella qui, combinada amb una rigorositat capciosa cap a si mateix (una vegada, fa 7-8 anys, Bashkirov va dir que solia donar-se una cosa semblant a les notes per a les actuacions: "Els punts, a dir la veritat, solen ser baixos... En un any He de donar desenes de concerts. En el millor dels casos, estic realment satisfet amb uns quants... "En aquest sentit, em ve a la ment un episodi involuntàriament, que a GG Neuhaus li agradava recordar:" Leopold Godovsky, el meu gloriós professor, em va dir una vegada: "Jo En aquesta temporada va donar 83 concerts, i sabeu quants n'he quedat satisfet? – tres! (Neigauz GG Reflexions, records, diaris // Articles seleccionats. Cartes als pares. Pàg. 107).) – i el va ajudar a convertir-se en una de les figures més destacades del pianisme de la seva generació; és ella qui portarà a l'artista, sens dubte, molts més descobriments creatius.

G. Tsypin, 1990