Serguei Vasilyevitx Rachmaninoff |
Serguei Rachmaninoff
I tenia una terra natal; Ell és meravellós! A. Pleshcheev (de G. Heine)
Rachmaninov va ser creat a partir d'acer i or; Acer a les mans, or al cor. I. Hoffman
"Sóc un compositor rus i la meva pàtria ha deixat empremta en el meu caràcter i les meves opinions". Aquestes paraules pertanyen a S. Rachmaninov, el gran compositor, brillant pianista i director d'orquestra. Tots els esdeveniments més importants de la vida social i artística russa es van reflectir en la seva vida creativa, deixant una empremta indeleble. La formació i el floriment de l'obra de Rachmaninov cau en la dècada de 1890-1900, una època en què els processos més complexos van tenir lloc a la cultura russa, el pols espiritual bategava febril i nerviós. El sentiment agudament líric de l'època inherent a Rachmaninov estava invariablement associat a la imatge de la seva estimada Pàtria, amb la infinitat de les seves àmplies extensions, el poder i la destresa violenta de les seves forces elementals, la suau fragilitat de la natura primaveral en flor.
El talent de Rachmaninov es va manifestar aviat i brillantment, tot i que fins als dotze anys no va mostrar gaire zel per les lliçons sistemàtiques de música. Va començar a aprendre a tocar el piano als 4 anys, l'any 1882 va ser ingressat al Conservatori de Sant Petersburg, on, deixat a la seva soledat, va fer un embolic, i el 1885 va ser traslladat al Conservatori de Moscou. Aquí Rachmaninoff va estudiar piano amb N. Zverev, després amb A. Siloti; en temes teòrics i composició –amb S. Taneyev i A. Arensky. Vivint en una pensió amb Zverev (1885-89), va passar per una dura, però molt raonable escola de disciplina laboral, que el va convertir d'un mandrós i entremaliat desesperat en una persona excepcionalment col·leccionada i de voluntat forta. "El millor que tinc en mi, li dec", va dir Rachmaninov més tard sobre Zverev. Al conservatori, Rachmaninoff va estar fortament influenciat per la personalitat de P. Txaikovski, que, al seu torn, va seguir el desenvolupament del seu favorit Seriozha i, després de graduar-se al conservatori, va ajudar a posar en escena l'òpera Aleko al Teatre Bolxoi, coneixent per la seva pròpia trista experiència com de difícil és per a un músic novell obrir el seu camí.
Rachmaninov es va graduar al Conservatori de piano (1891) i composició (1892) amb una Gran Medalla d'Or. En aquesta època, ja era l'autor de diverses composicions, com ara el famós Preludi en do sostingut menor, el romanç "En el silenci de la nit secreta", el Primer Concert per a piano, l'òpera "Aleko", escrita com a obra de graduació. en només 17 dies! Les peces de fantasia que van seguir, op. 3 (1892), Trio elegíac “En memòria d'un gran artista” (1893), Suite per a dos pianos (1893), Moments de música op. 16 (1896), romanços, obres simfòniques - "El penya-segat" (1893), Capriccio sobre temes gitanos (1894) - van confirmar l'opinió de Rachmaninov com un talent fort, profund i original. Les imatges i els estats d'ànim característics de Rachmaninoff apareixen en aquestes obres en un ampli ventall: des del dolor tràgic del "Moment musical" en si menor fins a l'apoteosi hímnica del romanç "Aigües de font", des de la dura pressió espontània-volitiva del “Moment musical” en mi menor a la millor aquarel·la del romanç “Island”.
La vida durant aquests anys va ser difícil. Decisiu i poderós en rendiment i creativitat, Rachmaninoff era per naturalesa una persona vulnerable, que sovint experimentava dubtes sobre si mateix. Interferit amb dificultats materials, desordre mundà, vagant per racons estranys. I tot i que tenia el suport de persones properes a ell, principalment la família Satin, se sentia sol. El fort xoc provocat pel fracàs de la seva Primera Simfonia, interpretada a Sant Petersburg el març de 1897, va provocar una crisi creativa. Durant uns quants anys Rachmaninoff no va compondre res, però la seva activitat com a pianista es va intensificar i va debutar com a director a l'Òpera Privada de Moscou (1897). Durant aquests anys, va conèixer a L. Tolstoi, A. Txékhov, artistes del Teatre d'Art, va començar una amistat amb Fiodor Chaliapin, que Rachmaninov considerava una de les "experiències artístiques més poderoses, profundes i subtils". El 1899, Rachmaninoff va actuar per primera vegada a l'estranger (a Londres), i el 1900 va visitar Itàlia, on van aparèixer els esbossos de la futura òpera Francesca da Rimini. Un esdeveniment alegre va ser la posada en escena de l'òpera Aleko a Sant Petersburg amb motiu del 100è aniversari d'A. Pushkin amb Chaliapin com Aleko. Així, a poc a poc es va anar preparant un punt d'inflexió intern, i a principis del 1900. hi va haver un retorn a la creativitat. El nou segle va començar amb el Segon Concert per a piano, que va sonar com una poderosa alarma. Els contemporanis van sentir en ell la veu del Temps amb la seva tensió, explosivitat i una sensació de canvis imminents. Ara el gènere del concert s'està convertint en el protagonista, és en ell on s'incorporen les idees principals amb la màxima exhaustivitat i inclusió. Comença una nova etapa en la vida de Rachmaninov.
El reconeixement general a Rússia ia l'estranger rep la seva activitat de pianista i director. 2 anys (1904-06) Rachmaninov va treballar com a director al Teatre Bolxoi, deixant en la seva història el record de les meravelloses produccions d'òperes russes. El 1907 participà en els Concerts històrics russos organitzats per S. Diaghilev a París, el 1909 actuà per primera vegada a Amèrica, on interpretà el seu Tercer Concert per a piano dirigit per G. Mahler. Una intensa activitat concertística a les ciutats de Rússia i a l'estranger es va combinar amb una creativitat no menys intensa, i en la música d'aquesta dècada (a la cantata "Primavera" - 1902, als preludis op. 23, als finals de la Segona Simfonia i el Tercer Concert) hi ha molt d'entusiasme ardent i entusiasme. I en composicions com els romanços "Lila", "Aquí està bé", als preludis en re major i sol major, "la música de les forces cantants de la natura" sonava amb una penetració sorprenent.
Però en els mateixos anys també es fan sentir altres estats d'ànim. Pensaments tristos sobre la pàtria i el seu destí futur, reflexions filosòfiques sobre la vida i la mort donen lloc a imatges tràgiques de la Primera Sonata per a piano, inspirada en el Faust de Goethe, el poema simfònic "L'illa dels morts" basat en el quadre de l'artista suís. A. Böcklin (1909), moltes pàgines del Tercer Concert, romanços op. 26. Els canvis interns es van fer especialment notables a partir de 1910. Si en el Tercer Concert la tragèdia s'acaba superant i el concert acaba amb una apoteosi jubilosa, aleshores en les obres que el van seguir s'aprofundeix contínuament, donant vida a imatges agressives, hostils, ombrívoles, estats d'ànim deprimits. El llenguatge musical es fa més complex, l'ampli alè melòdic tan característic de Rachmaninov desapareix. Tals són el poema vocal-simfònic “Les campanes” (a st. E. Poe, traduït per K. Balmont – 1913); romanços op. 34 (1912) i op. 38 (1916); Estudis-pintures op. 39 (1917). No obstant això, va ser en aquest moment quan Rachmaninoff va crear obres plenes d'alt significat ètic, que es van convertir en la personificació de la bellesa espiritual perdurable, la culminació de la melodia de Rachmaninov: "Vocalise" i "All-Night Vigil" per a cor a capella (1915). “Des de petita, m'han fascinat les magnífiques melodies d'Oktoikh. Sempre he sentit que cal un estil especial, especial per al seu tractament coral, i, em sembla, el vaig trobar a les Vespres. No puc evitar confessar. que la primera actuació del Cor Sinodal de Moscou em va donar una hora del plaer més feliç", va recordar Rachmaninov.
El 24 de desembre de 1917, Rachmaninov i la seva família van abandonar Rússia, com va resultar, per sempre. Durant més d'un quart de segle va viure en una terra estrangera, als EUA, i aquest període va estar majoritàriament ple d'activitat concertística esgotadora, sotmès a les cruels lleis del negoci musical. Rachmaninov va utilitzar una part important dels seus honoraris per donar suport material als seus compatriotes a l'estranger i a Rússia. Per tant, tota la col·lecció per a l'actuació de l'abril de 1922 es va transferir en benefici dels morints de fam a Rússia i, a la tardor de 1941, Rakhmaninov va enviar més de quatre mil dòlars al fons d'ajuda de l'Exèrcit Roig.
A l'estranger, Rachmaninoff va viure aïllat, limitant el seu cercle d'amics als immigrants de Rússia. Només es va fer una excepció per a la família de F. Steinway, el cap de l'empresa de pianos, amb qui Rachmaninov tenia relacions amistoses.
Els primers anys de la seva estada a l'estranger, Rachmaninov no va deixar el pensament de la pèrdua de la inspiració creativa. “Després de marxar de Rússia, vaig perdre les ganes de compondre. Havent perdut la meva pàtria, em vaig perdre a mi mateix". Només 8 anys després de marxar a l'estranger, Rachmaninov torna a la creativitat, crea el Quart Concert per a piano (1926), Tres cançons russes per a cor i orquestra (1926), Variacions sobre un tema de Corelli per a piano (1931), Rapsòdia sobre un tema de Paganini (1934), Tercera simfonia (1936), “Danses simfòniques” (1940). Aquestes obres són l'última ascensió més alta de Rachmaninoff. Un sentiment lamentable de pèrdua irreparable, un ardent anhel de Rússia donen lloc a un art d'un enorme poder tràgic, que arriba al seu clímax en les Danses Simfòniques. I a la brillant Tercera Simfonia, Rachmaninoff encarna per darrera vegada el tema central de la seva obra: la imatge de la Pàtria. El pensament intens i severament concentrat de l'artista l'evoca des de les profunditats dels segles, sorgeix com un record infinitament estimat. En un complex entrellaç de temes, episodis diversos, emergeix una perspectiva àmplia, es recrea una epopeia dramàtica del destí de la Pàtria, que acaba amb una afirmació de vida victoriosa. Així, a través de totes les obres de Rachmaninoff, porta la inviolabilitat dels seus principis ètics, l'alta espiritualitat, la fidelitat i l'amor ineludible per la Pàtria, la personificació de la qual era el seu art.
O. Averianova
- Museu-finca de Rachmaninov a Ivanovka →
- Obres per a piano de Rachmaninoff →
- Obres simfòniques de Rachmaninoff →
- Art instrumental de cambra de Rachmaninov →
- Obres d'òpera de Rachmaninoff →
- Obres corals de Rachmaninoff →
- Romanços de Rachmaninoff →
- Rachmaninov-director →
Característiques de la creativitat
Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, juntament amb Scriabin, és una de les figures centrals de la música russa del segle XX. L'obra d'aquests dos compositors va atreure especialment l'atenció dels contemporanis, van discutir acaloradament sobre això, van començar agudes discussions impreses al voltant de les seves obres individuals. Malgrat tota la dissimilaritat de l'aparença individual i l'estructura figurativa de la música de Rachmaninov i Scriabin, els seus noms sovint apareixien junts en aquestes disputes i es comparaven entre ells. Hi havia raons purament externes per a aquesta comparació: tots dos eren alumnes del Conservatori de Moscou, que es van graduar gairebé simultàniament i van estudiar amb els mateixos professors, tots dos van destacar immediatament entre els seus companys per la força i la brillantor del seu talent, rebent un reconeixement no només com a compositors de gran talent, però també com a pianistes destacats.
Però també hi havia moltes coses que els separaven i de vegades els posaven en diferents vessants de la vida musical. L'atrevit innovador Scriabin, que va obrir nous mons musicals, es va oposar a Rachmaninov com un artista de pensament més tradicional que va basar la seva obra en els fonaments sòlids de l'herència clàssica nacional. “G. Rachmaninoff, va escriure un dels crítics, és el pilar al voltant del qual s'agrupen tots els campions de la direcció real, tots aquells que aprecien les bases posades per Mússorgski, Borodin, Rimski-Korsakov i Txaikovski.
No obstant això, malgrat tota la diferència de posicions de Rachmaninov i Scriabin en la seva realitat musical contemporània, es van reunir no només per les condicions generals per a l'educació i el creixement d'una personalitat creativa en la seva joventut, sinó també per alguns trets més profunds de comú. . "Un talent rebel i inquiet": així es va caracteritzar Rakhmaninov a la premsa. Va ser aquesta impulsivitat inquieta, l'excitació del to emocional, característic de l'obra d'ambdós compositors, la que la va fer especialment estimada i propera als amplis cercles de la societat russa de principis del segle XIX, amb les seves expectatives, aspiracions i esperances angoixades. .
"Scriabin i Rachmaninoff són els dos 'governants del pensament musical' del món musical rus modern <...> Ara comparteixen l'hegemonia entre ells en el món musical", va admetre LL Sabaneev, un dels apologistes més zelosos del primer i un rival igualment tossut i detractor del segon. Un altre crític, més moderat en els seus judicis, va escriure en un article dedicat a una descripció comparativa dels tres representants més destacats de l'escola musical de Moscou, Taneiev, Rachmaninov i Scriabin: el to de la vida moderna i febrilment intensa. Totes dues són les millors esperances de la Rússia moderna".
Durant molt de temps, va dominar la visió de Rachmaninoff com un dels hereus i successors més propers de Txaikovski. La influència de l'autor de The Queen of Spades, sens dubte, va tenir un paper important en la formació i el desenvolupament de la seva obra, cosa que és molt natural per a un graduat del Conservatori de Moscou, estudiant d'AS Arensky i SI Taneyev. Al mateix temps, també va percebre algunes de les característiques de l'escola de compositors de "Petersburg": el lirisme entusiasmat de Txaikovski es combina en Rachmaninov amb la dura grandesa èpica de Borodin, la profunda penetració de Mussorgski en el sistema del pensament musical de l'antic rus i la percepció poètica de la naturalesa nativa de Rimski-Korsakov. No obstant això, tot el que va aprendre dels mestres i els predecessors va ser profundament repensat pel compositor, obeint la seva forta voluntat creativa i adquirint un caràcter individual nou i completament independent. L'estil profundament original de Rachmaninov té una gran integritat interna i organicitat.
Si busquem paral·lelismes amb ell en la cultura artística russa del canvi de segle, aquesta és, en primer lloc, la línia Txékhov-Bunin a la literatura, els paisatges lírics de Levitan, Nesterov, Ostroukhov a la pintura. Aquests paral·lelismes han estat remarcats repetidament per diversos autors i s'han tornat gairebé estereotipats. Se sap amb quin amor ardent i respecte va tractar Rakhmaninov l'obra i la personalitat de Txékhov. Ja en els darrers anys de la seva vida, llegint les cartes de l'escriptor, lamentava no haver-lo conegut més de prop en el seu temps. El compositor va estar associat amb Bunin durant molts anys per simpatia mútua i punts de vista artístics comuns. Van ser reunits i relacionats per un amor apassionat per la seva naturalesa nativa russa, pels signes d'una vida senzilla que ja està deixant en les proximitats immediates d'una persona al món que l'envolta, l'actitud poètica del món, acolorida de profunds el lirisme penetrant, la set d'alliberament espiritual i d'alliberament dels lligams que limiten la llibertat de la persona humana.
La font d'inspiració de Rachmaninov va ser una varietat d'impulsos emanats de la vida real, la bellesa de la natura, les imatges de la literatura i la pintura. "... Trobo", va dir, "que les idees musicals neixen en mi amb més facilitat sota la influència de determinades impressions extramusicals". Però, al mateix temps, Rachmaninov es va esforçar no tant per un reflex directe de determinats fenòmens de la realitat per mitjà de la música, per "pintar amb sons", sinó per l'expressió de la seva reacció emocional, sentiments i experiències sorgides sota la influència de diversos impressions rebudes externament. En aquest sentit, podem parlar d'ell com un dels representants més cridaners i típics del realisme poètic del 900, la principal tendència del qual va ser formulada amb èxit per VG Korolenko: “No només reflectim els fenòmens tal com són i ho fem. no crear una il·lusió per caprici món inexistent. Creem o manifestem una nova relació de l'esperit humà amb el món circumdant que neix en nosaltres.
Un dels trets més característics de la música de Rachmaninov, que crida l'atenció en primer lloc quan es coneix, és la melodia més expressiva. Entre els seus contemporanis, destaca per la seva capacitat de crear melodies de gran i llarg desplegament de gran respiració, combinant la bellesa i plasticitat del dibuix amb una expressió brillant i intensa. El melodisme, la melodiositat és la principal qualitat de l'estil de Rachmaninov, que determina en gran mesura la naturalesa del pensament harmònic del compositor i la textura de les seves obres, saturades, per regla general, amb veus independents, ja sigui movent-se al primer pla o desapareixent en un dens densitat. teixit sonor.
Rachmaninoff va crear el seu propi tipus de melodia molt especial, basat en una combinació de les tècniques característiques de Txaikovski: un desenvolupament melòdic dinàmic intensiu amb el mètode de transformacions variants, realitzat de manera més suau i tranquil·la. Després d'un enlairament ràpid o d'un llarg i intens ascens cap al cim, la melodia, per dir-ho, es congela al nivell assolit, tornant invariablement a un so cantat llargament, o lentament, amb cornisas que s'eleven, torna a la seva alçada original. La relació inversa també és possible, quan una estada més o menys llarga en una zona limitada d'altitud es trenca sobtadament pel curs de la melodia durant un ampli interval, introduint un matís d'expressió lírica aguda.
En aquesta interpenetració de dinàmica i estàtica, LA Mazel veu un dels trets més característics de la melodia de Rachmaninov. Un altre investigador atorga un significat més general a la proporció d'aquests principis en l'obra de Rachmaninov, assenyalant l'alternança de moments de "frenada" i "avenç" subjacent a moltes de les seves obres. (VP Bobrovsky expressa una idea similar, assenyalant que "el miracle de la individualitat de Rachmaninoff rau en la unitat orgànica única de dues tendències dirigides de manera oposada i la seva síntesi només inherent a ell": una aspiració activa i una tendència a "permanència llarga en el que ha estat". aconseguit."). Afició al lirisme contemplatiu, immersió perllongada en algun estat d'ànim, com si el compositor volgués aturar el temps fugaç, combinava amb una enorme i precipitada energia exterior, una set d'autoafirmació activa. D'aquí la força i la nitidesa dels contrastos en la seva música. Va intentar portar cada sentiment, cada estat d'ànim al grau d'expressió extrem.
En les melodies líriques de Rachmaninov que es desenvolupen lliurement, amb la seva respiració llarga i ininterrompuda, sovint s'escolta alguna cosa semblant a l'amplitud "ineludible" de la cançó popular russa persistent. Al mateix temps, però, la connexió entre la creativitat de Rachmaninov i la composició de cançons populars era de naturalesa molt indirecta. Només en casos rars i aïllats el compositor va recórrer a l'ús de melodies populars genuïnes; no es va esforçar per una semblança directa de les seves pròpies melodies amb les folk. "En Rachmaninov", assenyala amb raó l'autor d'un treball especial sobre la seva melòdica, "poques vegades apareix directament una connexió amb determinats gèneres d'art popular. Concretament, el gènere sovint sembla dissoldre's en el "sentiment" general del folk i no és, com va ser amb els seus predecessors, l'inici cimentant de tot el procés de conformació i esdevenir una imatge musical. Repetidament, s'ha cridat l'atenció sobre trets tan característics de la melodia de Rachmaninov, que l'apropen a la cançó popular russa, com la suavitat de moviment amb predomini de moviments escalonats, el diatonisme, l'abundància de girs frigis, etc. Assimilació profunda i orgànica. pel compositor, aquests trets esdevenen una propietat inalienable de l'estil del seu autor individual, adquirint una coloració expressiva especial que només a ell.
L'altra cara d'aquest estil, tan irresistiblement impressionant com la riquesa melòdica de la música de Rachmaninov, és un ritme inusualment enèrgic, imperiosament conqueridor i alhora flexible, de vegades capritxos. Tant els contemporanis del compositor com els investigadors posteriors van escriure molt sobre aquest ritme específicament de Rachmaninoff, que involuntàriament crida l'atenció de l'oient. Sovint és el ritme el que determina el to principal de la música. AV Ossovsky va assenyalar l'any 1904 pel que fa a l'últim moviment de la Segona Suite per a dos pianos que Rachmaninov en ella "no tenia por d'aprofundir l'interès rítmic de la forma de la Tarantella a una ànima inquieta i enfosquida, no aliena als atacs d'algun tipus de demonisme a vegades.”
El ritme apareix en Rachmaninov com a portador d'un principi volitiu efectiu que dinamitza el teixit musical i introdueix un "allau de sentiments" líric en el corrent principal d'un tot harmoniós arquitectònicament complet. BV Asafiev, comparant el paper del principi rítmic en les obres de Rachmaninov i Txaikovski, va escriure: "No obstant això, en aquest últim, la naturalesa fonamental de la seva" inquieta "simfonia es va manifestar amb una força particular en la col·lisió dramàtica dels mateixos temes. En la música de Rachmaninov, el molt apassionat en la seva integritat creativa, la unió del magatzem lírico-contemplatiu del sentiment amb el magatzem organitzatiu decidit del “jo” del compositor-intèrpret resulta ser aquesta “esfera individual” de la contemplació personal, que estava controlat pel ritme en el sentit del factor volitiu...”. El patró rítmic de Rachmaninov sempre està molt clarament esbossat, independentment de si el ritme és simple, fins i tot, com els ritmes pesats i mesurats d'una campana gran, o complexos, intricament florits. Preferit pel compositor, sobretot en les obres dels anys 1910, l'ostinato rítmic atorga al ritme una significació no només formativa, sinó també temàtica en alguns casos.
En el camp de l'harmonia, Rachmaninoff no va anar més enllà del sistema clàssic major-menor en la forma que va adquirir en l'obra dels compositors romàntics europeus, Txaikovski i representants del Mighty Handful. La seva música sempre és tonalment definida i estable, però en utilitzar els mitjans de l'harmonia tonal clàssic-romàntica, es va caracteritzar per alguns trets característics pels quals no és difícil establir l'autoria d'una o altra composició. Entre aquestes característiques individuals especials del llenguatge harmònic de Rachmaninov hi ha, per exemple, la coneguda lentitud del moviment funcional, la tendència a romandre en una tecla durant molt de temps i, de vegades, el debilitament de la gravetat. Es crida l'atenció sobre l'abundància de formacions complexes de múltiples terts, files d'acords no decimals i undecimals, que sovint tenen un significat més colorit, fonètic que funcional. La connexió d'aquest tipus d'harmonies complexes es realitza principalment amb l'ajuda de la connexió melòdica. El domini de l'element de la cançó melòdica a la música de Rachmaninov determina l'alt grau de saturació polifònica del seu teixit sonor: els complexos harmònics individuals sorgeixen constantment com a resultat del lliure moviment de veus "cantant" més o menys independents.
Hi ha un gir harmònic favorit de Rachmaninoff, que va utilitzar tan sovint, especialment en les composicions del primer període, que fins i tot va rebre el nom d'"harmonia de Rachmaninov". Aquesta rotació es basa en un acord de setena introductori reduït d'un harmònic menor, normalment utilitzat en forma de terzkvartakkord amb la substitució del II grau III i la resolució en una tríada tònica en la tercera posició melòdica.
El pas a un quart reduït que sorgeix en aquest cas en la veu melòdica evoca una sensació punyent de dol.
Com una de les característiques notables de la música de Rachmaninov, diversos investigadors i observadors van assenyalar el seu color menor predominant. Els seus quatre concerts per a piano, tres simfonies, ambdues sonates per a piano, la majoria dels estudis-quadres i moltes altres composicions van ser escrites en menor. Fins i tot el major adquireix sovint una coloració menor a causa de les alteracions decreixents, les desviacions tonals i l'ús generalitzat de passos laterals menors. Però pocs compositors han aconseguit tanta varietat de matisos i graus de concentració expressiva en l'ús de la tonalitat menor. L'observació de LE Gakkel que en els estudis-pintures op. 39 "Donada la gamma més àmplia de colors menors de l'ésser, els tons menors de la sensació de la vida" es poden estendre a una part significativa de tota l'obra de Rachmaninoff. Crítics com Sabaneev, que albergava una hostilitat amb prejudicis cap a Rachmaninov, el van anomenar "un ploró intel·ligent", la música del qual reflecteix "la tràgica impotència d'un home sense força de voluntat". Mentrestant, el dens "fosc" menor de Rachmaninov sovint sona valent, protestant i ple d'una tremenda tensió volitiva. I si les notes dolentes són captades per l'oïda, aleshores aquesta és la “noble tristesa” de l'artista patriota, aquell “gemec sufocat sobre la terra natal”, que va escoltar M. Gorki en algunes de les obres de Bunin. Com l'esperit d'aquest escriptor proper, Rachmaninov, en paraules de Gorki, "pensava en Rússia en el seu conjunt", lamentant les seves pèrdues i experimentant ansietat pel destí del futur.
La imatge creativa de Rachmaninov en els seus trets principals es va mantenir integral i estable al llarg del mig segle del viatge del compositor, sense experimentar fractures i canvis aguts. Principis estètics i estilístics, après en la seva joventut, va ser fidel als últims anys de la seva vida. No obstant això, podem observar una certa evolució en la seva obra, que es manifesta no només en el creixement de l'habilitat, l'enriquiment de la paleta sonora, sinó que també afecta parcialment l'estructura figurativa i expressiva de la música. En aquest camí, es delimiten clarament tres períodes grans, encara que desiguals tant pel que fa a la durada com pel que fa al seu grau de productivitat. Estan delimitades entre si per cesures temporals més o menys llargues, bandes de dubte, reflexió i vacil·lació, quan de la ploma del compositor no en sortia ni una obra acabada. El primer període, que cau als anys 90 del segle XNUMX, es pot anomenar un temps de desenvolupament creatiu i maduració del talent, que va anar a afirmar el seu camí a través de la superació d'influències naturals a una edat primerenca. Les obres d'aquest període sovint no són prou independents, imperfectes de forma i textura. (Algunes d'elles (First Piano Concerto, Elegiac Trio, peces per a piano: Melody, Serenade, Humoresque) van ser posteriorment revisades pel compositor i la seva textura es va enriquir i desenvolupar.), encara que en algunes de les seves pàgines (els millors moments de l'òpera juvenil “Aleko”, el Trio elegíac en memòria de PI Txaikovski, el famós preludi en do sostingut menor, alguns dels moments musicals i romanços), la individualitat del compositor ja s'ha revelat amb prou certesa.
Una pausa inesperada arriba l'any 1897, després de la infructuosa interpretació de la Primera Simfonia de Rachmàninov, una obra en la qual el compositor va invertir molt de treball i energia espiritual, que va ser incompresa per la majoria de músics i gairebé unànimement condemnada a les pàgines de la premsa, fins i tot ridiculitzada. per alguns dels crítics. El fracàs de la simfonia va provocar un profund trauma mental en Rachmaninoff; segons la seva pròpia confessió posterior, "era com un home que va tenir un ictus i que durant molt de temps va perdre el cap i les mans". Els tres anys següents van ser anys de silenci creatiu quasi complet, però alhora de reflexions concentrades, de revaloració crítica de tot allò que s'havia fet anteriorment. El resultat d'aquest intens treball intern del compositor sobre ell mateix va ser un repunt creatiu inusualment intens i brillant a principis del nou segle.
Durant els primers tres o quatre anys del segle 23, Rakhmaninov va crear una sèrie d'obres de diversos gèneres, destacables per la seva poesia profunda, frescor i immediatesa d'inspiració, en què la riquesa de la imaginació creativa i l'originalitat de la "escriptura" de l'autor. es combinen amb l'artesania d'alt acabat. Entre ells hi ha el Segon Concert per a piano, la Segona Suite per a dos pianos, la sonata per a violoncel i piano, la cantata “Primavera”, Deu preludis op. XNUMX, l'òpera "Francesca da Rimini", alguns dels millors exemples de les lletres vocals de Rachmaninov ("Lila", "Fragment d'A. Musset"), Aquesta sèrie d'obres va establir la posició de Rachmaninoff com un dels compositors russos més grans i interessants. del nostre temps, aportant-li un ampli reconeixement en els cercles de la intel·lectualitat artística i entre les masses d'oients.
Un període relativament curt de 1901 a 1917 va ser el més fructífer de la seva obra: durant aquesta dècada i mitja es van escriure la majoria de les obres madures i independents d'estil de les obres de Rachmaninov, que es van convertir en una part integral dels clàssics musicals nacionals. Gairebé cada any va portar nous opus, l'aparició dels quals es va convertir en un esdeveniment notable en la vida musical. Amb l'activitat creativa incessant de Rachmaninoff, la seva obra no va romandre inalterada durant aquest període: al tombant de les dues primeres dècades, s'hi noten els símptomes d'un canvi de cervesa. Sense perdre les seves qualitats "genèriques" generals, es torna més sever en el to, els estats d'ànim pertorbadors s'intensifiquen, mentre que l'efusió directa del sentiment líric sembla alentir-se, els colors clars transparents apareixen amb menys freqüència a la paleta sonora del compositor, el color general de la música. s'enfosqueix i s'espesseix. Aquests canvis es noten en la segona sèrie de preludis per a piano, op. 32, dos cicles d'estudis-pintures, i especialment composicions tan monumentals com "Les campanes" i "All-Night Vigil", que plantegen qüestions profundes i fonamentals sobre l'existència humana i el propòsit vital d'una persona.
L'evolució experimentada per Rachmaninov no va escapar de l'atenció dels seus contemporanis. Un dels crítics va escriure sobre The Bells: “Rakhmaninov sembla haver començat a buscar nous estats d'ànim, una nova manera d'expressar els seus pensaments... Sents aquí el nou estil renaixent de Rachmaninov, que no té res en comú amb l'estil de Txaikovski. ”
Després de 1917, comença una nova ruptura en l'obra de Rachmaninov, aquesta vegada molt més llarga que l'anterior. Només després d'una dècada sencera, el compositor va tornar a compondre música, després d'haver arranjat tres cançons populars russes per a cor i orquestra i completat el Quart Concert per a piano, iniciat la vigília de la Primera Guerra Mundial. Durant els anys 30 en va escriure (excepte algunes transcripcions de concerts per a piano) només quatre, però, significatius pel que fa a la idea d'obres principals.
* * *
En un entorn de recerques complexes, sovint contradictòries, una intensa i intensa lluita de direccions, una ruptura de les formes habituals de consciència artística que van caracteritzar el desenvolupament de l'art musical a la primera meitat del segle XIX, Rachmaninoff es va mantenir fidel al gran clàssic. tradicions de la música russa des de Glinka fins a Borodin, Mussorgski, Txaikovski, Rimski-Korsakov i els seus estudiants i seguidors més propers i directes de Taneyev, Glazunov. Però no es va limitar al paper de guardià d'aquestes tradicions, sinó que les va percebre de manera activa i creativa, afirmant el seu poder viu i inesgotable, la capacitat de desenvolupament i enriquiment posteriors. Artista sensible i impressionable, Rachmaninov, malgrat la seva adhesió als preceptes dels clàssics, no es va quedar sord a les crides de la modernitat. En la seva actitud davant les noves tendències estilístiques del segle XNUMX, hi va haver un moment no només d'enfrontament, sinó també d'una certa interacció.
Durant un període de mig segle, l'obra de Rachmaninov ha experimentat una evolució significativa, i les obres de la dècada de 1930, sinó també de la dècada de 1910 difereixen significativament tant en la seva estructura figurativa com en el llenguatge, mitjans d'expressió musical dels primers, encara no. opus completament independents del final de l'anterior. segles. En alguns d'ells, el compositor entra en contacte amb l'impressionisme, el simbolisme, el neoclassicisme, tot i que d'una manera profundament peculiar, percep individualment els elements d'aquestes tendències. Amb tots els canvis i girs, la imatge creativa de Rachmaninov va romandre internament molt integral, conservant aquelles característiques bàsiques i definitòries que la seva música deu la seva popularitat al més ampli ventall d'oients: lirisme apassionat i captivador, veracitat i sinceritat d'expressió, visió poètica del món. .
Yu. Vinga
Rachmaninoff director d'orquestra
Rachmaninov va passar a la història no només com a compositor i pianista, sinó també com a director destacat del nostre temps, encara que aquesta vessant de la seva activitat no va ser tan llarga i intensa.
Rachmaninov va debutar com a director a la tardor de 1897 a l'Òpera Privada Mamontov de Moscou. Abans d'això, no havia de dirigir una orquestra i estudiar direcció, però el talent brillant del músic va ajudar a Rachmaninoff a aprendre ràpidament els secrets del domini. N'hi ha prou amb recordar que amb prou feines va aconseguir completar el primer assaig: no sabia que els cantants havien d'indicar les presentacions; i uns dies després, Rachmaninov ja havia fet la seva feina a la perfecció, dirigint l'òpera Samsó i Dalila de Saint-Saëns.
"L'any de la meva estada a l'òpera Mamontov va ser de gran importància per a mi", va escriure. "Allà vaig adquirir una tècnica de director genuïna, que després em va servir moltíssim". Durant la temporada de treball com a segon director del teatre, Rachmaninov va dirigir vint-i-cinc representacions de nou òperes: "Samson i Dalila", "Sirena", "Carmen", "Orfeu" de Gluck, "Rogneda" de Serov, " Mignon” de Tom, “La tomba d'Askold”, “La força de l'enemic”, “La nit de maig”. La premsa va notar immediatament la claredat de l'estil del seu director, la naturalitat, la manca de postures, un sentit ferro del ritme transmès als intèrprets, el gust delicat i un meravellós sentit dels colors orquestrals. Amb l'adquisició d'experiència, aquestes característiques de Rachmaninoff com a músic van començar a manifestar-se al màxim, complementades amb la confiança i l'autoritat en el treball amb solistes, cor i orquestra.
En els anys següents, Rachmaninoff, ocupat amb la composició i l'activitat pianística, només va dirigir ocasionalment. L'apogeu del seu talent com a director recau en el període 1904-1915. Des de fa dues temporades treballa al Teatre Bolxoi, on la seva interpretació d'òperes russes té un èxit especial. Els esdeveniments històrics de la vida del teatre són anomenats pels crítics l'actuació d'aniversari d'Ivan Susanin, que va dirigir en honor al centenari del naixement de Glinka, i la Setmana de Txaikovski, durant la qual Rachmaninov va dirigir La reina de piques, Eugene Onegin, Oprichnik. i ballets.
Més tard, Rachmaninov va dirigir la representació de La reina de piques a Sant Petersburg; els crítics van coincidir que va ser ell qui va ser el primer a comprendre i transmetre al públic tot el sentit tràgic de l'òpera. Entre els èxits creatius de Rachmaninov al Teatre Bolxoi també hi ha la seva producció de Pan Voevoda de Rimski-Korsakov i les seves pròpies òperes El cavaller avar i Francesca da Rimini.
A l'escenari simfònic, Rachmaninov des dels primers concerts va demostrar ser un mestre complet a gran escala. L'epítet "brillant" va acompanyar sens dubte les ressenyes de les seves actuacions com a director. Molt sovint, Rachmaninoff va aparèixer a l'estand del director en concerts de la Societat Filharmònica de Moscou, així com amb les orquestres Siloti i Koussevitzky. El 1907-1913, va dirigir molt a l'estranger: a les ciutats de França, Holanda, EUA, Anglaterra i Alemanya.
El repertori de Rachmaninov com a director d'orquestra era inusualment polifacètic en aquells anys. Va poder penetrar en els més diversos estils i caràcters de l'obra. Naturalment, la música russa era la més propera a ell. Va reviure a l'escenari la Simfonia Bogatyr de Borodin, gairebé oblidada en aquell moment, va contribuir a la popularitat de les miniatures de Liadov, que va interpretar amb una brillantor excepcional. La seva interpretació de la música de Txaikovski (especialment la quarta i la cinquena simfonia) va estar marcada per una significació i una profunditat extraordinàries; a les obres de Rimsky-Korsakov, va poder desplegar la gamma de colors més brillant per al públic, i en les simfonies de Borodin i Glazunov, va captivar el públic amb una amplitud èpica i una interpretació dramàtica.
Un dels pinacles de la direcció de Rachmaninov va ser la interpretació de la simfonia en sol menor de Mozart. El crític Wolfing va escriure: “Què signifiquen moltes simfonies escrites i impreses abans de la interpretació de Rachmaninov de la simfonia g-moll de Mozart! … El geni artístic rus va transformar i mostrar per segona vegada el caràcter artístic de l'autor d'aquesta simfonia. Podem parlar no només del Mozart de Puixkin, sinó també del Mozart de Rachmàninov...”
Al costat d'això, trobem molta música romàntica als programes de Rachmàninov –per exemple, la Simfonia fantàstica de Berlioz, les simfonies de Mendelssohn i Franck, l'obertura d'Oberon de Weber i fragments de les òperes de Wagner, el poema de Liszt i la Suite lírica de Grieg... I al costat – una magnífica interpretació d'autors moderns: poemes simfònics de R. Strauss, obres dels impressionistes: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse... I, per descomptat, Rachmaninov va ser un intèrpret insuperable de les seves pròpies composicions simfòniques. El conegut musicòleg soviètic V. Yakovlev, que va escoltar Rachmaninov més d'una vegada, recorda: "No només el públic i la crítica, els membres experimentats de l'orquestra, els professors i els artistes van reconèixer el seu lideratge com el punt més alt en aquest art... Els seus mètodes de treball van ser reduït no tant a un espectacle, sinó a comentaris separats, explicacions mesquines, sovint cantava o explicava d'una manera o altra allò que abans havia considerat. Tots els assistents als seus concerts recorden aquells gestos amplis i característics de tota la mà, no provinents només del pinzell; de vegades aquests gestos seus eren considerats excessius pels membres de l'orquestra, però li eren familiars i comprenien per ells. No hi havia artificialitat en els moviments, les poses, ni l'efecte, ni el dibuix a mà. Hi havia una passió il·limitada, precedida pel pensament, l'anàlisi, la comprensió i la visió de l'estil de l'intèrpret.
Afegim que Rachmaninoff, el director d'orquestra, també era un insuperable intèrpret de conjunt; Els solistes en els seus concerts van ser artistes com Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, i en representacions d'òpera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov...
Després de 1913, Rachmaninoff es va negar a interpretar obres d'altres autors i va dirigir només les seves pròpies composicions. Només l'any 1915 es va desviar d'aquesta regla dirigint un concert en memòria d'Scriabin. Tanmateix, fins i tot més tard la seva reputació com a director d'orquestra va ser inusualment alta a tot el món. N'hi ha prou amb dir que immediatament després d'arribar als Estats Units el 1918, se li va oferir el lideratge de les orquestres més grans del país, a Boston i Cincinnati. Però en aquella època ja no podia dedicar-se a la direcció, obligat a dirigir una intensa activitat concertística com a pianista.
Només a la tardor de 1939, quan es va organitzar un cicle de concerts d'obres de Rachmaninov a Nova York, el compositor va acceptar dirigir-ne un. A continuació, l'Orquestra de Filadèlfia va interpretar la Tercera Simfonia i les Campanes. Va repetir el mateix programa l'any 1941 a Chicago, i un any més tard va dirigir la representació de "Isle of the Dead" i "Symphonic Dances" a Egan Arbor. El crític O. Daune va escriure: “Rakhmaninov va demostrar que té la mateixa habilitat i control sobre la interpretació, la musicalitat i el poder creatiu, dirigint l'orquestra, que demostra quan toca el piano. El caràcter i l'estil de la seva interpretació, així com la seva direcció, colpeja amb calma i confiança. És la mateixa absència total d'ostentació, el mateix sentit de la dignitat i la moderació evident, la mateixa força imperiosa admirable. Els enregistraments de The Island of the Dead, Vocalise i la Tercera Simfonia realitzats en aquella època ens han conservat testimonis de l'art de direcció del genial músic rus.
L. Grigoriev, J. Platek
